Erodiade – Fame di vento

La coreografia italiana degli anni Ottanta e Novanta ha dato molti impulsi alla scena contemporanea distinguendosi per la ricerca e l’intreccio dei linguaggi, e per la capacità di esplorare tematiche inedite come di aprire a un nuovo respiro i temi classici. Nasce da questa consapevolezza, qualche anno fa, il desiderio di creare – con il Progetto “RIC.CI. Reconstruction Italian Contemporary Choreography Anni 80/90”, a cura di Marinella Guatterini – una memoria viva di quella fondante tradizione coreutica del nuovo, attraverso il riallestimento di opere cardine con il coinvolgimento di giovani interpreti e compagnie.
Vi si inserisce a pieno titolo lo spettacolo Erodiade. Fame di vento, un lavoro creato da Julie-Ann Anzillotti nel 1993 (su commissione della stessa Guatterini con Michele Porzio nel corso di un ciclo dedicato alla rilettura del repertorio neoclassico europeo) con uno slancio che univa in un unico gesto danza, parola, musica e segno visivo.
Ispirato al poema incompiuto Hérodiade del simbolista francese Stéphane Mallarmé, di cui restano frammenti e appunti, lo spettacolo è basato sulla figura di una Salomè che però viene nominata come la madre, Erodiade, in una sintesi oscura, dettata forse dall’esigenza di differenziarla dagli stereotipi che l’hanno vincolata. Vista nella sua immensa inquietudine e amarezza piuttosto che nel mito della bellezza, questa Salomé-Erodiade – cui la coreografa attinge dopo la versione di Martha Graham nel 1944 – è còlta nella sua disperata ricerca di assoluto, nel suo desiderio di vento.
La fermezza nel volere e ottenere tutto – anche il sacrificio del Battista – non ne risolve la solitudine, condizione che Anzillotti amplifica ponendo la figura al centro di un intrigo di personaggi: lo Spirito del Male, lo Spirito del Bene, la Nutrice oltre allo stesso Giovanni Battista intervengono intorno allo svelarsi dell’Angelo Custode, figura chiave del poema, che irrompe come entità interiore luminescente, la cui irradiazione indica la strada della catarsi, squarcio di beatitudine dopo l’orrore. Nel corso di una narrazione coreografica che si dispiega sulle musiche di Paul Hindemith, Wilhelm Killmayer e Walter Fӓhndrich, il componimento racconta di una donna xxxxx che, contemplando la testa tagliata di San Giovanni, viene toccata dalla grazia, come battezzata dal sangue del martire.

In scena, al connubio tra una danza espressionista e una recitazione affidata ai suoni ricercati della voce fuori campo di Gabriella Bartolomei, si unisce il segno dell’importante scenografia che l’artista concettuale Alighiero e Boetti – esponente di punta del Novecento italiano – creò appositamente, testimonianza di un’epoca di collaborazioni molto attive, a teatro, tra creatori d’arte di varie discipline. Il fondale-sipario e i segni geometrici – scenografia d’arte che dona all’intero spettacolo particolare autorevolezza e unicità – allestiscono uno spazio suggestivo e metafisico, sorta di tempio della metamorfosi, dove le forme di un’astratta perfezione sono destinate a frantumarsi.

Durata 1 h